L’objectif est de distiller l’essence d’un objet. En le dépouillant de sa définition, la forme, la ligne, la texture et la matérialité de l’objet deviennent les piliers pour créer quelque chose de complètement nouveau et inattendu. Par conséquent, ma pratique a tendance à être abstraite et à brouiller la frontière entre le graphisme, l’illustration et la sculpture.

J’ajoute de la couleur au-dessus de la planète déjà existante. Elles évoluent au fil des couches de peinture. À chaque cinq minutes, une nouvelle planète apparaît.

Depuis que je suis jeune, je suis un collectionneur. J’avais une collection de timbres, de sous… Différentes variantes d’un même objet. Je retrouve le même principe dans mon travail: je ne veux pas une ou deux unités, je veux toute la collection. Ça devient un problème quand je réalise que la collection est infinie. Je deviens un peu fou.

Lorsque tu mets des objets statiques en dessous d’une surface d’eau en mouvement, les formes se transforment. Les objets rigides deviennent fluides.

L’exposition longue permet de créer une image en trois dimensions à partir d’un objet en deux dimensions. Un mouvement est créé à partir de quelque chose de statique.

Au début des projets, je pensais que j’allais créer des compositions fixes en amont du shoot. Puis j’ai réalisé que ça ne fonctionnait pas… Il me fallait toutes les couleurs, toutes les formes, toutes les options! Le set up autour est rigoureusement planifié, mais l’agencement de couleurs se fait on the spot. C’est intuitif, rapide, presque organique.

Il s’agit d’un processus génératif et itératif, où des erreurs sont faites, où des idées sont écartées ou retravaillées, ou de nouvelles idées prennent forme. C’est ce processus qui m’anime, parfois même davantage que de capturer l’image en soi.